История танца

История танца
Предполагается, что танцы существуют, столько же, сколько существует само человечество. К сожалению, на данный момент можно только догадываться, как в ранние эпохи выглядел танец.

Одной из самых ранних рукописей, в которой описывается танец, является Natya Shastra, которая стала основой современной интерпретации танца Bharathanatyam (классический индийский танец).

Одним из первых упоминаний о танце в европейской культуре принадлежит Гомеру, который в своей «Илиаде» описал танец chorea (греческий, «хоровод, пляска»).

В Древней Греции танцевальное искусство являлось особой системой, выражающей различные страсти. Так танец «Фурий» был способен навести ужас на всех его наблюдателей.  Аристотель, греческий философ, был убежден, что танцоры с помощью телодвижений в определенном ритме способны передавать различные манеры, действия и страсти, поэтому он приравнивал танец к поэзии. Греческие скульпторы с особым старанием изучали различные позы танцоров, которые выражали определенные состояния.

До-история танца.

История танца свидетельствует о том, что в древности он служил неотъемлемой частью религиозных ритуалов и общественных праздников. Это подтверждается записями во многих документах доисторической эпохи. Предполагается, что придворные танцы произошли одновременно с появлением первого короля и королевы. Танцы имели множество форм и включали в себя и народные, и бальные, и социальные, и экспериментальные разновидности. Наиболее крупным направлением стал Театральный танец, который возник на Западе. История современного балета уходит во Францию Эпохи Возрождения (XVI век).

XVI и XVII столетия - придворный танец.

Благодаря появлению нового способа мышления и новой философии  Просвещения появились предпосылки для появления бального танца. В эпоху Просвещения человек стал чувствовать себя центром вселенной и с помощью науки и искусства определял свое бытие. «Человек считал, что при использовании музыки, имитирующей пропорциональную гармонию планет, может привлечь в свою жизнь определенное планетарное влияние (Designing for the Dancer, Elron Press, London, 1981).

Своего расцвета придворный балет достиг к концу XVI века, к тому времени он полностью финансировался французской монархией, использовавшей его с целью превозношения собственного величия. Теперь огромные роскошные праздничные феерии, продолжающиеся в течение нескольких дней, включали все виды развлечений, и обязательном порядке Балет. Эти праздники служили одним из способов самовозвеличивания Французского Двора.

XVIII и XIX век: от придворных танцев  к Романтизму.

К началу XVIII века из Французского Двора балет мигрировал в Парижскую Оперу. Там Балет попал в руки к Жану-Батисту Люлли, разностороннему театральному деятелю. Жан-Батист Люлли сохранил  сложносоставность балета, что является основным концептом и значимым элементом данного танца.

В течение XVIII века балет сумел из утонченного способа передвижения образов на представлении стать самодостаточным  искусством исполнения - ballet d’action («действенный балет» или балет с сюжетом – пр. пер.). К тому же в это время балет распространился по всей Европе.

Балет уничтожил искусственность, которая была присуща придворному танцу, и установил новое правило: «в искусстве все должно стремиться к естеству, то есть к подражанию природе». Это способствовало большему раскрытию выразительности тела, которое не скрывалось под массивными костюмами. Хореография танца стала более вольной и разнообразной. Появились натуралистические костюмы и специальная обувь без каблука – пуанты, благодаря которому у танцора появилось больше возможностей при исполнении элементов с подъемом на полупальцы.

Настоящая работа на пуантах в балете началась во времена эпохи Романтизма в начале XIX века. В то время в балете внимание акцентировалось на эмоциональности, богатом духовном мире и фантазиях. Легендарная Мари Таглиони стала идеальным образом искусной балерины, которая в своих туфлях танцевала так, словно едва касается сцены, а ее душа просто парила над танцевальной площадкой. На данном этапе развития балета мужчины-танцоры оказались в тени танцовщиц. В то время как балерины приобретали славу и восхищение, мужчин в балете окрестили «двигающимися статуями», которые были предназначены только для поддержки своих партнерш.

В начале ХХ века ознаменовалось восхождением звезды балета Нижинского, который был танцором из Русского Балета. Это событие, немного подправило ситуацию, касающуюся статуса танцоров-мужчин. К ХХ веку уже сформировались традиционная хореография, костюмы, бутафория и декорации, именно таким выглядит и современный балет.


Начало ХХ века: от балета к современному танцу.

Для того чтобы сломать устаревшие формы классического балетного танца, Русский балет затеял революцию в балетном искусстве. На сегодня возможности художественного представления балета - балетной техники и музыки, которая ей аккомпанирует, мультимедиа и декораций – во многом превышают уровень любого другого времени. Классический балет постоянно развивается, расширяет и размывает границы устоявшихся традиций. Вместо старых техник появляются все новые и новые неожиданные решения, и от традиционного балета сохраняются только термины типа «вращения».

Современный мир отличается новым мышлением и пониманием. Исполнители танцев теперь учитывают и качества личности, и религиозные аспекты, избегают примитива, наполняют танец выразительностью и эмоциональностью. Именно благодаря новому взгляду на жизнь в целом и произошел «бум» современного танца. Теперь появилась свобода выражения своих эмоций и чувств. У многих людей появилось желание творить и служить признанному искусству. Новые составляющие и атрибуты современного искусства стали такими же значимыми, как костюмы балерин, возможно даже гораздо больше.

Многие хореографы и танцоры начала XX века крайне негативно относились к балету. Исидора Дункан называла балет «бессмысленной и безобразной гимнастикой». Мерс Каннингхэм, хоть и использовал некоторые техники балета, имел в отношении хореографии и выступления позицию, которая была прямо противоположной традиционному балету. Марта Грэм (Грэхем) относилась к балету как к империализму и европейщине, и считала, что американцы не имеют с ним ничего общего.

ХХ век стал временем творческого развития и роста, как танцоров, так и хореографов. Балет приобрел новую опору, совершенно отличающуюся от прежних традиций. Благодаря чему зрители полностью изменили свое представление о танце, обрели новый взгляд на балет.

Конец двадцатого века: развитие современного танца.

Активное развитие в шестидесятые годы Постмодернизма определил новый курс на простоту и красоту маленьких вещей, отсутствие искусственности в движениях и на изящество нетренированных тел.

Ярчайшей крайностью волны нового взгляда стал манифест «НЕТ», который опровергал все костюмы и сюжеты на «показуху» и выступал за сырое и необработанное движение. Однако отсутствие сюжета, бутафории и костюмов не способствовало успешности танца, и совсем скоро в лексиконе современных хореографов снова появились «декорации», «уровень шока» и «художественное оформление».

В восьмидесятые годы танец снова приобрел классическую форму, а новый contemporary dance (современный танец) в руках профессионалов стал высокотехничным оружием. Теперь две различные формы танца: классический балет и contemporary dance мирно сосуществовали и практически утратили друг к другу былую неприязнь.

На сегодня хореографы стремятся к тому, чтобы их работа оказалась самой потрясающей, поэтому в танцевальном искусстве чувствуется особая творческая конкуренция. Однако это нисколько не лишает танец его красоты, изящности и эмоциональности, танец современности наполнен мощной силой, гибкостью и профессионализмом, высокий уровень которого просто потрясает.